Arte en la Esfera Pública

Estructura del Estudio Propio: Troncal + Modular (forma parte del Máster en Arte en la Esfera Pública)

Bloque 1: Teoría y Metodología Oferta: 10 cr.

1.1. Teoría y metodología del arte en la esfera pública [5cr.]

• -Profesores: Jesús Carrillo, Vicente Jarque, José Ramón Alcalá

• -Invitados: Pedro G. Romero, Georges Pfuender, Toni Abad

• El objetivo de este bloque es introducir en la teoría del arte en la esfera pública, exponiendo y debatiendo los conceptos fundamentales que sustentan esta práctica y exponiendo diferentes líneas de acción en el ámbito del arte político, el urbanismo y otras prácticas de intervención.
  Constará de tres cursos teóricos con una duración total de 9 horas cada uno y un seminario intensivo (realizado en tres días) con participación de profesores invitados. Cada invitado dispondrá de una sesión cada uno para la presentación de sus trabajos o propuestas, a las que seguirá una sesión de debate público y diversas sesiones de discusión individualizada con los estudiantes.

1.2. Propuestas artísticas y metodología creativa [5cr.]

• - Ignacio Oliva, Simeón Saiz, José A. Sánche

• - Invitados: Rogelio López Cuenca, José Luis Guerin, Claudio Zulian.

• El objetivo de este bloque es aportar información concreta sobre experiencias y metodologías de creación en el ámbito de la esfera pública, con especial énfasis en el ámbito del trabajo de intervención social, el audiovisual y la acción.
  Constará de tres cursos teóricos con una duración total de 29 horas y un seminario intensivo (realizado en tres días) con participación de artistas invitados. Los artistas dispondrán de una sesión cada uno para la presentación de sus trabajos o propuestas, a las que seguirá una sesión de debate público y diversas sesiones de discusión individualizada con los estudiantes.

Bloque 2. Proyecto de creación Oferta 15 cr.

Coordinador: Javier Lloret, profesor titular de Dibujo, UCLM.
Artista invitado: Antoni Muntadas
Tutor de proyectos: Óscar Martínez, profesor de Dibujo, UCLM.

El objetivo será trabajar a partir de la metodología propuesta por Antoni Muntadas. El módulo se desarrollará en tres períodos de trabajo intensivo con el artista, a los que seguirá un trabajo de prácticas y trabajos guiados autorizados por el coordinador. En el marco de este módulo está prevista la intervención de especialistas de otras áreas que podrán realizar presentaciones específicas sobre los campos de trabajo abordado (urbanismo, temáticas sociales, inmigración, etc.). El contenido de este módulo servirá para plantear líneas de trabajo en las que se podrán inscribir los proyectos finales.
El módulo consta de tres asignaturas, que corresponden a los tres períodos de trabajo intensivo del artista invitado y el seguimiento posterior.

• 2.1. Proyecto de creación 1. Planteamiento y metodología 5 cr

• 2.2. Proyecto de creación 2. Propuestas y seguimiento 5 cr

• 2.3. Proyecto de creación 3. Resolución y formalización 5 cr

Bloque 3: Talleres Oferta: 15 cr. Optativos (a elegir uno)
3.1. Taller de práctica relacional 5 cr

• Coordinador: José A. Sánchez, catedrático de Historia del Arte, UCLM.
  Artista invitado: Rolf Abderhalden.

• El objetivo será la realización de un proyecto de intervención colectiva en la localidad de San Clemente. Los estudiantes recibirán información sobre la historia, el patrimonio, la estructura socio-económica y mantendrán encuentros con diferentes asociaciones activas en la comarca.

3.2. Taller de paisaje y urbanismo 5 cr

• Coordinador: José A. Sánchez, catedrático de Historia del Arte, UCLM.
  Artista invitado: Manuel Piña
  Conferencias: Andrés Jaque, Juan Herreros, Joan Nogué, Gonzalo Puch.

• El objetivo será la aportación de información sobre las nuevas teorías del paisaje en campos como la geografía y la historia cultural para analizar su repercusión en el trabajo de artistas visuales contemporáneos. Asimismo, se abordará el estudio de la realización de arquitectura y la planificación urbana y la experiencia de los habitantes en relación con ellas.

3.3. Taller de producción audiovisual y electrónica 5 cr

• Coordinadores: Ignacio Oliva (y José Ramón Alcalá)
  Profesores: Mercedes Alted, Ángel Sáenz y Guillermo Navarro

• El objetivo será ofrecer herramientas de producción para aquellos estudiantes que conciban el desarrollo o difusión de sus proyectos en formato audiovisual o digital. Se tratará de un taller de duración media, con sesiones intensivas durante el segundo cuatrimestre.

Introducción

El objetivo de este programa es introducir a los estudiantes en las diferentes prácticas artísticas que en la actualidad se confrontan con la esfera pública y tratan de inscribir en ella su acción y facilitar el desarrollo de proyectos artísticos en diferentes lugares de la región (Cuenca, San Clemente y Huete), propuestos o tutorizados por artistas con amplia experiencia en este ámbito.
El arte llamado público no lo entendemos sólo como una corriente más o menos específica de la época contemporánea, sino que lo vemos como el producto de una antigua tradición, en el sentido que el arte ha poseído siempre una vertiente orientada hacia la intervención política y cultural. La idea de “arte en la esfera pública” recupera algunas cuestiones ya planteadas en anteriores momentos históricos, pero introduce otras asociadas a la nueva percepción de lo local y de lo comunitario en el contexto de la comunicación y la economía globales.
Este máster forma parte de una oferta internacional de estudios de postgrado sobre arte en la esfera pública realizada por universidades de Alemania, Bélgica, Eslovenia, España, Finlandia, Francia, Polonia, Sudáfrica y Suiza con el título de MAPS. Las universidades de países pertenecientes a la UE se agruparon a su vez bajo el proyecto APS, que obtuvo una ayuda de la Unión Europea para la realización de las actividades preparatorias.

Centros participantes en el proyecto MAPS:
El objetivo de MAPS es permitir la movilidad de los estudiantes para cursar módulos de los diferentes máster y cursos de postgrado ofertados en cada universidad, que serían convalidados por la universidad de origen.
Centros participantes en el proyecto MAPS:

•          Karel de Grote-Hogeschool. Katholieke Hogeschool Antwerpen. Bélgica.

•          Ecole supérieure des Beaux Arts de Cornuaille. Francia.

•          Kunsthochschule Berlín Weissensee. Alemania.

•          Facultad de Arte y Diseño. Universidad de Lapland. Finlandia.

•          Politechnika Radomska im. Kazimierza Pulaskeigo w. Radomiu. Polonia.

•          Ecole Cantonale d’Art du Valais (ECAV), Sierre, Suiza.

•          Ecole Supérieure des Beaux Arts, Marsella, Francia.

•          Hochschule für Gestaltung + Kunst Luzern, Suiza.

•          Wits School of the Arts, (WSOA) Johannesburg, Sudáfrica.

•          Technikon Witwatersrand, (TWR) Johannesburg, Sudáfrica.

En este curso será posible establecer algún intercambio con la Ecole Cantonale de Suiza, que ya oferta un máster de arte en la esfera pública, y facilitar la participación de estudiantes en talleres concretos impartidos en el resto de las instituciones.

Justificación teórica

El arte llamado público no es en absoluto –o no debería ser- una especie de modalidad especial del arte, sino algo que responde a lo que el arte ha sido siempre históricamente. En realidad, lo que sí ha sido una invención o derivación histórica específica del arte es su concepción como algo consistente en obras destinadas a un uso privado. De hecho, el surgimiento del concepto de “bellas artes” coincidió con el momento en que éstas comenzaron a producirse como objetos susceptibles de apropiación individual, ya no sólo por parte de la aristocracia (para la cual el arte formaba parte de un continuum en donde se incluían la artesanía y la decoración en general, como meros signa de poder y bienestar), sino de la burguesía europea por entonces emergente, a través de la cual los artistas plásticos y sus productos fueron paulatinamente apreciados por su singularidad o carácter exclusivo (como factor de distinción objetiva o no, real o pretendida), e incorporados a la lógica implacable del mercado, al que el arte se pudo ir acomodando de diversas maneras, sin atisbos relevantes de alternativa, más o menos hasta finales del siglo XIX.

De hecho, el carácter público del arte cobró un auge particular a comienzos del siglo XX. Por dos razones. De un lado, debido a la extensión de las perspectivas revolucionarias de corte socialista o, en su caso, bolchevique (políticamente más eficaces por más elaboradas y organizadas, y, por tanto, bastante más peligrosas que las utopías anarquistas con las que habían coqueteado algunos importantes artistas decimonónicos); y de otro, a causa del advenimiento de las llamadas “vanguardias históricas”, en la medida en que en ellas se pudo poner en cuestión el carácter formal de la experiencia estética en cuanto que delectación subjetiva, la escisión entre la obra y el espectador, la presunta estabilidad de la tradición y la variabilidad del presente, la eternidad y el devenir, la esfera del espíritu y la vida cotidiana, etc., tratando así de favorecer (o de mostrar complicidad con) una dimensión crítica y de intervención, transformadora y hasta revolucionaria del arte.

El fracaso político de esas bienintencionadas vanguardias se fue haciendo evidente a lo largo de los años treinta. Mientras el arte soviético era amordazado por el estalinismo, en buena parte de la Europa capitalista se impuso el fascismo sin que los artistas más políticamente comprometidos, ni siquiera los directamente aliados a las fuerzas de la resistencia antifascista, pudieran hacer gran cosa al respecto, salvo preservar sus vidas en el exilio y confrontar desde allí la barbarie imperante.

Tras la Segunda Guerra Mundial, y en el difícil contexto de la reconstrucción de una cultura burguesa que había conducido a la catástrofe, o al menos no había podido evitarla, el arte se internó en unos caminos en los que la diferencia entre su carácter público y privado comenzó a debilitarse en unos casos, al tiempo que se acentuaba en otros. Mientras que la pintura abstracta pudo proseguir (no del todo ilegítimamente, por cierto) su propio camino durante una década (sobre todo en los Estados Unidos) como instancia de producción de objetos valiosos, políticamente correctos, pero de uso eventualmente privado, otras formas de arte recogieron en su momento los impulsos de la vieja vanguardia, y del arte antiguo en general, incluso adoptando actitudes que, desde el momento en que cristalizaron en formas alternativas, como las que representaron a partir de los años sesenta y setenta (dejando aparte del fenómeno conscientemente ambiguo del pop) las corrientes más o menos antiformalistas (happening, arte de acción, arte corporal, land art, povera) o las minimalistas y conceptuales, etc., reintrodujeron en las artes una dimensión potencial o actualmente pública, sobre todo por el hecho de que introducían en ellas unos parámetros críticos que no podían sino derivar en confrontaciones de orden político.

La irrupción de nuevas problemáticas (la diferencia sexual, la conciencia multicultural), junto con la aportación de las nuevas tecnologías audiovisuales y, finalmente, digitales, sirvió para ampliar tanto las estrategias disponibles para el artista como el espectro político susceptible de tematización. A partir de ese momento, las posibilidades del arte concebido para o desde la esfera pública se han hecho prácticamente infinitas. Por eso mismo, y teniendo en cuenta las inevitables exigencias de financiación (a veces tacaña, a veces generosa, a veces demasiado generosa), y de un compromiso (por crítico que sea) con las instituciones, el arte público parece necesitar de una profunda y permanente reflexión, cuanto menos, acerca de su alcance y su eficacia.
Hasta aquí la descripción o narración histórica. En cuanto a la dimensión teorética del problema del Arte en la esfera pública, tal vez será conveniente añadir algunas observaciones tentativas. La primera tiene que ver con el hecho de que en el concepto de “arte público” parece ponerse en cuestión el principio de la autonomía del arte. Esto es así, pero sólo es posible en un momento en el que el arte, como dijera Adorno, “ha franqueado las puertas a la infinitud”, de tal modo que, en ese marco de soberanía absoluta, cualquier cosa puede presentarse como candidato a obra de arte. Esto permite a algunos artistas pensar en la posibilidad de etiquetar como “arte” determinadas prácticas de intervención inmediatamente derivadas de intereses políticos, aun cuando desde el punto de vista formal (y aparte de su carácter eventualmente efímero) carezcan de cualquier tipo de interés.
Ahora bien, por muy nobles y moralmente elevados que sean esos intereses, el problema a confrontar es si vale la pena o no, y en qué circunstancias (la cuestión no está decidida, ni puede), renunciar a las leyes específicas heredadas de cada una de las artes (tratando de profundizar en ellas, o de combinarlas de maneras nuevas) y poner en primer plano la acción política, o bien considerar seriamente la posibilidad de que el activismo político sólo vale en el arte en la medida en que éste no quede diluido en esa acción.

En cualquier caso, y a pesar del carácter intrínsecamente contradictorio con el que se nos ofrecen, los últimos desarrollos del llamado arte público pueden servir para propiciar una reconsideración de la función del arte en general, de su sentido en el contexto de la sociedad contemporánea. La idea de un arte en la esfera pública cobra interés para nosotros en la medida en que pone sobre la mesa la cuestión la responsabilidad política del arte, así como la de los políticos respecto a la cultura del presente.

Si ni la una ni la otra están hoy claras, ello se debe sobre todo al hecho obvio de que vivimos en una cultura (o pseudocultura) globalizada que no responde ni a los patrones más eminentes de la gran cultura aristocrática, ni a los de la burguesa, ni mucho menos a los de la proletaria. En un mundo como el nuestro, dominado por una cultura postburguesa, las relaciones entre el arte y la política no pueden ya establecerse en los términos directos que podían valer para los artistas europeos de los años treinta, ni para los españoles que hubieron de sufrir el franquismo. El problema artístico estriba justamente en encontrar medios de crítica y de intervención en el marco de una “esfera pública” eventualmente democrática, en donde tanto los conflictos como los métodos de la crítica, discurren a veces por caminos insospechados. Los artistas que, para bien o para mal, se deciden a intervenir en este contexto en tanto que artistas (y no meramente como ciudadanos anónimos o simples activistas), representan una vertiente discutible, pero en absoluto desdeñable, de lo que ha venido significando el arte, e incluso el arte autónomo, hasta nuestros días.

Vicente Jarque
Profesor titular de Estética
Coordinador del módulo de teoría

Objetivos:

1. Introducir a los estudiantes en las diferentes prácticas artísticas que en la actualidad se confrontan con la esfera pública y tratan de inscribir en ella su acción.

2. Fomentar la relación directa de artistas con un amplio currículo profesional y un trabajo situado en el circuito internacional con jóvenes artistas que acaban de concluir su fase formativa, contribuyendo así a facilitar su inserción en el circuito artístico.

3. Proponer la realización de proyectos artísticos en relación con el contexto social, urbano e histórico inmediato, que modifiquen la percepción del arte por parte de los ciudadanos y los modos de relación de los jóvenes artistas con su entorno.

Objetivos definidos en APS:

1. APS está diseñado para proporcionar un ambiente transcultural productivo para estudiantes de arte en la expansión de su comprensión del contexto espacial y social.

2. Los objetivos del programa son el desarrollo de un módulo internacional a nivel de máster, que genere interacción entre preocupaciones locales o comunitarias y la producción y la teoría artística. APS aspira a estimular a los estudiantes para desarrollar una actitud critica que les capacite para cuestionar y defender sus propias posiciones tanto en cuanto individuos como en cuanto miembros de una sociedad más amplia.

3. APS pretende también descubrir nuevos modos de usar la tecnología digital como método para la creación, la asociación y la diseminación de ideas, generando un diálogo entre diversos grupos en torno a cuestiones sobre arte y esfera pública, y compartir proyectos de arte con base local con participantes de toda Europa.

4. APS anima a los estudiantes a usar su creatividad y su capacidad intelectual al máximo con el fin de absorber y sintetizar una complejidad de experiencias y de ideas. Al finalizar un módulo APS, se espera que los estudiantes puedan demostrar un nivel de competencia en análisis crítico, investigación y presentación. El proyecto final demostrará el nivel artístico de máster bajo la supervisión de un tutor local.

Metodología

·  Teoría.
Tendrán forma de seminarios en los que se aportará información y material documental suficiente para plantear discusiones que permitan a los estudiantes familiarizarse con los distintos conceptos y prácticas artísticas relacionados con la idea de “arte y esfera pública”.

·  Proyectos.
Se tratará de proyectos de larga duración, a realizar individual o colectivamente, a partir de las propuestas metodológicas de un artista invitado. En este caso, la metodología estará en función del artista y del ámbito de trabajo elegido por cada uno.

·  Talleres.
Se tratará de introducciones a formas específicas de trabajar con medios como la acción escénica, el cine/vídeo y la red. Constarán de sesiones informativas y sesiones práctica consistentes en ejercicios concretos a realizar con las herramientas específicas: cuerpo-espacio, cámara-luz, red y periféricos.

Evaluación

POSTGRADO
Los estudiantes de postgrado deberán acreditar una participación mínima del 70% en las sesiones presenciales de cada uno de los módulos. La acreditación se hará mediante firmas de asistencia, complementadas por el informe del tutor o coordinador del módulo.
Al finalizar el período docente, deberán presentar una memoria del trabajo desarrollado durante el curso. Para la realización de la memoria, podrán contar con la ayuda de un tutor, elegido entre los profesores de la UCLM.

Profesorado

Proyectos:
Artistas:

• Rogelio López Cuenca

Tutores de la UCLM:

• Javier Lloret

Talleres:
Artistas:

• Rolf Abderhalden

Tutores y profesores UCLM:

• José A. Sánchez
• Ignacio Oliva
• José Ramón Alcalá
• Guillermo Navarro

Teoría:

Profesores:

• Vicente Jarque
• Jesús Carrillo
• Horacio Fernández