Master en Dirección y Producción Cinematográfica de Animación Digital

Módulo 1. Preproducción y dirección cinematográfica.
Se tratan los esquemas, posiciones, responsabilidades y tareas. (Dirección, Dirección de Arte, Técnica, de Animación, producción, producción ejecutiva) y sus terminologías.

Módulo 2. Herramientas de producción.
El dominio de las herramientas, informáticas, que intervienen durante la producción de una película de animación digital.

Autodesk Maya.
Alias Maya se ha convertido en el proceso productivo de la imagen sintética en tres dimensiones tanto en efectos visuales para cine como en largometrajes de animación y sus funciones, como animación, modelado, simulaciones, etc.

Estudio diferencial: Softimage XSI.
Softimage XSI, la aplicación más utilizada en el sector que permite dominar dos programas en poco más tiempo del que precisa uno de ellos.

Creación de texturas con Photoshop.
Mediante el uso de un software de retoque fotográfico, se comprende el proceso de creación de texturas como por ejemplo la piel de un rostro, la corteza de un árbol o un metal perfectamente pulido.

Edición de audio y vídeo.
Las avanzadas herramientas de Avid (Xpress Studio HD) son las responsables de conducir al alumno por el apasionante mundo del montaje.
Durante el curso se utilizarán herramientas de Avid (Protools) para la edición, creación y sincronización del audio con las imágenes animadas.

Composición con Combustion.
Combustion integra composición digital y paleta gráfica en un entorno de trabajo tridimensional mientras mantiene compatibilidad con los grandes sistemas como Inferno, Flint o Flame.

Módulo 3. Rigging avanzado (Character Setup).
Se conoce como Rigging a la construcción del esqueleto y los controles para que un personaje digital pueda ser manipulado y animado de forma eficiente y define su anatomía, peso, y la expresividad facial y corporal de los personajes.

Módulo 4. Animación avanzada de personajes.
Consiste en dotarles de alma y vida, si acaso virtuales a los personajes con el estudio de poses y el timing (distribución del tiempo en poses).
Conceptos usados desde los primeros trabajos de la factoría Disney como la anticipación, acción y reacción.

Módulo 5. Captura de movimiento.
Un método alternativo es extraer las acciones de un actor real mediante el uso de sensores de captura de movimiento, pero que nunca reemplaza el trabajo de un animador profesional.
Las amplias instalaciones de nuestro centro, con sus platós de croma y sistemas informáticos permiten reproducir los sets de rodaje de las producciones cinematográficas con sus peculiaridades.

Módulo 6. Animación y Acting.
La infinita gama de expresiones que los seres humanos supone una fuente inagotable de documentación a la hora de dar vida a un personaje (interpretación) como ejemplo los ejercicios de actuación con el método Actor´s Studio ó el método Stanislavsky

Módulo 7. Proyecto cinematográfico.
Los alumnos participarán en la creación de un cortometraje cinematográfico de animación.

Temario.
Preproducción y narrativa audiovisual.
1 Esquemas.
2 Posiciones: responsabilidades y tareas: Dirección, Dirección de Arte, técnica, de Animación, producción, producción ejecutiva, etc….
3 Terminologías.
3.1 Estructura: prologo, 1º Acto, 2º Acto, 3º Acto, epilogo.
4 Curva emocional
5 Los personajes: personalidades y back ground. Curva de Evolución.
6 El Guión y su influencia en el proceso de montaje y postproducción.

Arte-
6.1 Definición del estilo.
7 Estudio de personajes, sus gestos y poses.
8 Estudio de Decorados y properties (atrezzo).
9 El color.

Postproducción digital.

• La tecnología digital
• Imagen electrónica y Grabación.
• Electromagnetismo.
• Características de los formatos.
• Teoría del montaje/edición.
• Movimiento y ritmo audiovisual.
• La escritura gráfica y la escritura audiovisual.
• Tipos de Montajes.
• Fundamentos de Realización.
• Contraste entre ángulos.
• Mezclador de audio.
• Equipos de postproducción de audio tradicionales y por ordenador.
• Selección de fuente y señal de vídeo.
• Herramientas de localización de puntos in, out.
• Creación, inserción de rótulos y gráficos.

1. Introducción a la postproducción con Final Cut Pro.
2. Creación y Organización de Proyectos.
3. Edición 1 New Secuence (Creación de Secuencias).
4. Edición 2. Mover, cortar, pegar clips en TimeLine
5. Effects 1. Vídeo Transitions.
6. Edición 3. Edición de Audio y Titulación.
7. Effects 2. Vídeo Filtres.
8. Composición.
9. Animación. DVE.
10. Salida Final. Volcado a Cinta.

Animación.
Animación 3D con Autodesk Maya y SoftImage XSI.

1. Introducción a la infografía 3D.
2. Introducción a Maya y XSI.
3. Preproducción.
4. Maya.
5. Personalización.
6. Modelado.
7. Operatividad I.
8. Materiales, luces y cámaras.
9. Rendering.
10. Animación.
11. Simulaciones dinámicas.
12. Operatividad II.
13. Softimage XSI.

Rigging avanzado.
- Recursos técnicos.
- Entender las necesidades del animador.

Rigging corporal.
1- Análisis de la anatomía.
2- Diferencia entre articulaciones y puntos de palanca.
3- Construcción de un esqueleto.
4- Pesado.
5- Uso de objetos de influencia.
6- Uso de shapes correctoras.
7- Cambio de cinemáticas.
8- Controles de selección y atributos.

Rigging facial.
8.1- Análisis de la anatomía.
9- Deformación facial con shapes.
10- Deformación facial con joints.
11- Mezcla de joints y shapes para deformación facial.
12- Shapes correctoras.
13- Sincronía de ojos y parpados.
14- Selección y atributos.

Animación avanzada de personajes.

• Estructura y análisis del movimiento.
• Las Poses.
• Construcción de un movimiento simple.
• El Timing.
• Procedimiento de trabajo.
• Construcción de movimientos complejos.
• Animación Facial.
• Character Setup.
• Como trabajar con Shapes.
• Cómo y cuando trabajar con cinemáticas inversas y directas.
• Como construir un buen esqueleto.
• Ayudarse con mel, espresiones y set driven keys.

Captura de movimiento (MoCap)

• Introducción al sistema STT Motion Captor.
• El traje de captura. Uso y calibración.
• Modalidades de captura.
• Integración de los datos de captura en Maya.

Animación y Acting.

• Animación.
• Bouncing Ball.
• Importancia de entender movimiento primario y secundario.
• Importancia del contraste y la sorpresa.
• Importancia del espacio negativo y de cómo aplicar los principios de animación a éste.
• Cuándo utilizar inverse kinematics y cuándo forward kinematics.
• Diferencias en animación cuando el personaje está cerca o lejos de cámara.
• Composición, edición de la animación.
• Metodología de trabajo en una gran empresa de animación o efectos especiales.
• Importancia de rodearse de la gente adecuada.
• Cómo comportarse en dailies y delante de los directores o supervisores.
• Cómo comunicarse. Importancia de la comunicación.
• Cómo organizar las pantallas de 3D y cuales son esenciales para animar y cuáles no.
• La importancia de tener un ambiente ergonómico.
• Discusión sobre un típico día de trabajo.
• Ejercicios de los principios básicos para un mejor acting.
• Acting. (Actuación).
• Forma de hacer sentir a la audiencia con sencillas técnicas.
• Cómo conseguir credibilidad incluso en películas fantásticas.
• Cómo prepararse para utilizar referencia.
• Cómo entender y usar referencia de la mejor forma posible.
• La importancia de hacer sketches con líneas dinámicas de acción.
• Qué hacer cuando no se sabe dibujar.
• La importancia de colaborar en grupo.
• La importancia de dejar el ego en casa.
• La importancia del desear algo lo suficiente.
• Cómo preparar un reel para enseñar a estudios
• Cómo planificar un diálogo entre dos personajes.
• Ejercicios de actuación que utilizan los actores del Método del Actor´s Studio.
• La importancia animación limitada y en qué casos hay que utilizarla.
• Programación neurolinguística.
• Realización de ejercicios de acting basándonos en los principios básicos.

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