Seminario de Interpretación

METODO Stanislavsky

Interpretacion,Interpretacion delante de la camara,Improvisacion,Monologo Iniciacion a la interopretacion para teatro musical,Cuerpo,Voz,Aproximacion a texto.

Hola, os voy a poner un resumen pequeño sobre el método Stanislavsky con el que después de diez años de teatro profesional he conseguido "meterme" más en la piel del personaje.

- El actor tiene que estudiar cómo pronunciar cualquier discurso sin dejarlo a la casualidad, porque la naturaleza del personaje y la mía son totalmente contrarias.
- Luchar contra la palabra ampulosa. "Escuchar" las réplicas.
Hablar con sinceridad y naturalidad.
- El actor que no está suficientemente entrenado, inevitablemente se pierde, deja de vivir con los sentimientos e ideas del personaje.
- Stanislavsky, al observar la interpretación de los grandes actores y de sí mismo, comprendió que sólo es posible sentirse libre en escena al entregarse completamente a las circunstancias de la obra, poniéndose en lugar del personaje, creyendo en que todo lo que ocurre con él es real. Para ello, tiene que despertar en el intérprete su naturaleza creativa, dar impulso a su fantasía para que ella empiece a trabajar en la dirección sugerida por la propia situación. El actor debe creer ciegamente en la verdad ficticia.
- "Creer en la invención del otro (el autor) y empezar a vivirla sinceramente"
- Si el actor ve por sí mismo aquello sobre lo que debe hablar o de lo que debe convencer a su interlocutor en escena, conseguirá conquistar la atención del espectador con sus visiones, convicciones, creencias. Con sus sentimientos.

Yo, como actor, sé todo lo que va a pasar con mi personaje a lo largo de la obra, pero el personaje no conoce su futuro.
- Hay que asimilar todo el complejo comportamiento psicofísico del personaje.
- Cada palabra del texto, cada suceso, cada hecho del personaje deben ser objeto de análisis

El actor debe aprender a visualizar los sucesos de la vida del personaje, para que así, al hablar de ellos, comunique al menos una pequeña parte de lo que sabe acerca de los mismos.
- Estas visualizaciones del personaje tienen que ser para el actor como sus propios recuerdos.
- La misión de un actor con su interlocutor es convencerle, de manera que a la persona a la que me dirijo mire con mis propios ojos lo que yo quiero. Esto es importante en cada ensayo, en cada función: obligar al interlocutor a ver el suceso tal y como yo lo veo.

Al presentarse el actor ante el espectador como una persona viva de una u otra época, la más pequeña falta de autenticidad de su actitud interna o externa obligará inmediatamente a un espectador perceptivo a ponerse en guardia.

Al recitar un monólogo, los silencios puede creerse que sean detenciones, pero no son detenciones ni agujeros, son "conversaciones con el silencio". No ha interrumpido la comunicación con el espectador. No hay que precipitarse.

Los actores creen que si no pronuncian sus pensamientos en voz alta no podrán ser comprendidos y contagiados al espectador. Si el actor tiene esos pensamientos se reflejará sobre todo en sus ojos. El espectador no sabrá qué palabra pronuncia pero sí acertará con el estadio interior del personaje, estará cautivado por el proceso orgánico.
- El quebrantamiento de la unión entre el monólogo interno y la réplica del autor empuja inevitablemente al actor a la sobreactuación y a la pronunciación formal del texto.
- El monólogo interno exige la más profunda penetración en el mundo interno de la persona representada.
- Es lo principal en el arte: que el actor sepa pensar en escena del mismo modo en que piensa el personaje por él creado.

El arte surge cuando el actor aprende a descubrir y desvelar el subtexto a través de la pausa psicológica.
- El actor, en estas pausas, se percata mentalmente de lo que está hablando. Pero conviene no abusar.

Importante que el tempo-ritmo del actor no se confunda con el tempo-ritmo del personaje.
- Los grandes actores escuchan todo lo que ocurre en escena aunque no están ellos presentes. Es muy importante percibir a qué tempo-ritmo va la función.
- Cada situación, dependiendo de los cambios, exige un tempo-ritmo diferente.
- Si cogemos el tempo-ritmo exacto, los sentimientos y vivencias adecuados surgirán de forma natural, por sí mismos. Pero en cambio, si éste es inexacto, de la misma forma nacerá un sentimiento completamente inadecuado que será imposible corregir sin el correspondiente cambio de tempo-ritmo.

Pues esto es a grandes rasgos el método Stanislavsky, si lo utilizáis seguro que aprenderéis a conocer el personaje mejor y sobre todo a "sentirlo" dentro de vosotros y por lo tanto actuar como si fuera él. El público lo agradecerá.

Suerte.