Interpretación para Teatro, Cine y Televisión + Rodaje Fin de Carrera

1r curso

Interpretación I

· Educación Actoral

· Creatividad expresiva

· Imaginación (1)

· El sentido del juego

· Estimulo Competitivo

· La escucha

· Estímulos sensoriales

· Neutralidad

· Menos es más eficaz

· Borrar la mentira, la falsedad, el fraude

· Los “Tics” actorales

· La escucha

· Las emociones

· Trucos para el actor (juegos de miradas, movimientos concretos. Lo que se debe y lo que no se debe hacer en la interpretación)

· La sobreactuación

· Concentración

· La entonación

· La anticipación

· La preparación

· La Pausa

· Las Transiciones

· Trabajo con música

· Trabajo desinhibición (1)

· La realidad del Actor

· Actor Frente a la Cámara

· Ensayo y dirección de actores con el guión realizado

· Improvisaciones

· Trabajo con textos cortos e introducción a la actuación con textos (escena final de curso presentada en público)

· Técnica Sensorial (1)

· Relajación Corporal (1)

· Concentración (1)

· Intensidad y frescura actoral

· Comportamiento enfocado a directores de cine, de casting, productores, etc.

Expresión Corporal I

· Desarrollo de la espontaneidad

· Educación estética

· Abordaje corporal

· Conciencia de uno mismo

· Conciencia de espacio y de los objetos que te rodean

· Sentido del juego

· Técnica corporal instrumental: relajación, concentración, flexibilidad, desinhibición, sensibilización

· Conocimiento del sí (1)

· Control del sí (1)

· Dominio del sí (1)

Voz I

· Conocimiento teórico del aparato vocal

· Improvisación y juego sonoro

· Respiración y todas sus posibilidades

· Relajación activa

· Resonadores

· El canal sonoro

· Tonos vocales

· La dicción

· El cuerpo y la voz

· Niveles de energía corporal

· La relación del espacio y el sonido

· El uso de las imágenes

Técnicas de improvisación I

· ¿Qué es la improvisación?

· La verdad

· Las conexiones

· La sencillez

· Las reglas del juego

· La adaptación

· La “no negación”

· El apoyo

· Escuchar

· Escuchar y responder

· Las ideas preconcebidas

· Estar abierto

· No hables, actúa

· El silencio

· La elección inconsciente

· La creación visual: la innovación

· El personaje

· El actor como editor, director, escenógrafo, efecto de sonido, coreógrafo.

Danza Teatro I

· La relación con uno mismo

· Cuerpo y respiración

· Cinco ritmos: lírico, fluido, staccato, caótico, silencio

· Coreografías

· Ritmo grupal a partir de dinámicas muy sencillas como caminar todos en uno mismo ritmo

· Improvisación guiada desde pautas que pueden ir de lo más físico a temas relacionados con sensaciones, imágenes, sentimientos,...

· Creación de un solo, escogiendo un tema a desarrollar

· Cuerpo y espacio

· Cinco ritmos

· Entrenamiento corporal y coreografía.

Cultura Teatral I + Personaje

· Período Griego: Fiestas Dionisíacas, invención del anfiteatro, actores, cómo eran las representaciones, qué llevaban como vestuario, temas.

· Lectura y comentarios en clase de obras de teatro Griegas, Aristóteles, Séneca, Sófocles, Esquilo, Eurípides, entre otros.

· Edad Media: Estudio de cómo se fue desarrollando el Teatro hasta esta época. Temáticas de las obras, actores, cómo eran los teatros, dónde se representaba, quiénes eran los dramaturgos más importantes. Qué pasaba en los países Europeos a nivel de teatro

· Lectura y comentarios en clase de obras de la época, Shakespeare, Marlowe, escritores franceses (Fedra de Racine, entre otros), etc.

· Siglo de Oro Español, autores, lectura de obras, etc.

· La Comedia de'll Arte en Italia.

· Época contemporánea, a partir de Ibsen, Samuel Beckett, Harold Pinter, etc. Estudio de la escena contemporánea actual, grupos, clasificaciones de éstos, nuevos estilos teatrales, lo “oficial y lo no oficial”, la aparición de la Danza- teatro en Alemania a cargo de Pina Bausch.

· Dramaturgos, directores y grupos de teatro actuales españoles y catalanes. Lo que se está haciendo ahora a nivel Europeo.

2º curso

Interpretación II:

· Estímulo competitivo (2)

· Creatividad expresiva (2)

· Imaginación (2)

· Neutralidad “menos es más”

· Trabajo con música (2)

· Trabajo desinhibición (2)

· La realidad del Actor

· El Actor orgánico

· Improvisaciones (2)

· Trabajo con textos cortos e introducción a la actuación con textos (2) (escena final de curso presentada en público)

· Técnica sensorial (2 y 3)

· Relajación Corporal

· Los “Tics” actorales

· Concentración (2)

· Comportamiento enfocado a directores de cine, de casting, productores, etc.

· La entonación

· La anticipación

· La preparación

· La Pausa

· Las transiciones

· Gesticulación

· Intensidad y frescura actoral

· La espontaneidad

· Naturalidad ante la cámara

· Enamorar a la cámara

· ¿Qué nos hace especial?

· Coherencia actoral y “sentido común”

Expresión Corporal II

· Toma de conciencia (darse cuenta de lo que sucede)

· La espontaneidad (por libre voluntad)

· La creatividad (se relaciona con la identidad personal)

· Las relaciones con lo otro y con los otros

· Educación estética (2)

· Abordaje corporal (2)

· Conciencia de espacio y de los objetos que te rodean (2)

· Técnica corporal instrumental: relajación, concentración, flexibilidad, desinhibición, sensibilización (2)

· Conocimiento del sí (2)

· Control del sí (2)

· Dominio del sí (2)

Voz II

· La voz y la relajación

· La voz y la emoción

· La voz en movimiento

· La escucha. El diálogo

· El cuerpo que escucha

· Los impulsos del sonido y la dirección

· Niveles de energía vocal: televisión, cine y teatro

· Caracterización de la voz: diferentes personajes a través de los timbre vocales

· Dicción y texto

Danza Teatro II

· Improvisación, introduciendo el trabajo en pareja

· Creación de dúo, desarrollando un tema común

· Tiempo, dinámica y energía

· Cinco ritmos

· Entrenamiento corporal y coreografía

· Improvisación grupal

· Creación grupal, desarrollando una temática común

Técnicas improvisación II

· La verdad

· Las conexiones

· La sencillez

· La adaptación

· La “no negación”

· El apoyo

· Escuchar

· Escuchar y responder

· Las ideas preconcebidas

· Estar abierto

· No hables, actúa

· El silencio

· La elección inconsciente

· La creación visual: la innovación

· El personaje

Practicum Escenas

· La relación entre los personajes

· La relación de los personajes con el entorno

· La situación de los personajes

· Conciencia clara de qué está sucediendo

· Consciencia de movimiento

· Mantener la acción

· Las pequeñas cosas se convierten en grandes maravillas

· Realismo en escena

· Verosimilitud en escena

· La realidad del actor

· La verdad

· No hables, actúa

· Escuchar y responder

· Apoyo, confianza: el compañero

· Ahora te toca a ti (escucha todas las intervenciones)

· Los personajes

· La coordinación de los diferentes elementos en escena

· Las pausas

· El silencio es ORO

· Sé concreto

· La grandeza de los silencios

· La justificación. No hay errores

· La mirada y complicidad

· El cuerpo relajado

· El trabajo en grupo

· Menos es más. La sobreactuación

· La voz y la importancia

· La entonación

· El susurro.

El actor ante la cámara: Rodaje de fin de carrera

Rodaje profesional de escenas cinematográficas y/o televisivas. El rodaje de fin de carrera estará dirigido por un director de cine o televisión, profesional en activo del medio audiovisual y se rodarán en localizaciones reales según el escenario que indique el guión de cada escena.

1. Puesta en escena: sinécdoque (teoría). Una película es una consecución de miradas desde el inicio al final. Clase teórica introductoria.

2. La cámara (práctica). Romper el respeto, los miedos, ayudarse de la cámara para expresar (ejercicios prácticos que ayudan a perder el miedo a la cámara).

3. Borrar la mentira, la falsedad, el fraude (práctica). Buscar la verdad a través de improvisaciones que se trabajaran a clase. Introducción de los antecedentes del personaje mediante ejercicios prácticos.

4. Unidad mínima del plano (práctica). Desglose de las tipologías de posiciones y movimientos de cámara que el actor debe conocer para dominar un rodaje a través de una breve sesión introductoria de “vértigo” de hitchcock. Cada alumno descubre y experimenta como trabajar en función de la escala del plano.

5. Actor y director (práctica). Relaciones, sinergias, adaptabilidad. Pialat, Polanski, Almodóvar, Zulawski, Cassavettes nos servirán para trabajar la interpretación delante de la cámara de diferentes maneras.

6. Trabajando con el guión (práctica). Trabajo exhaustivo de las posibilidades de intrpretación de un guión.

7. Trabajar con la verdad (práctica). El cuerpo, el gesto, la mirada.

8. Trabajar con la verdad (II) (práctica). El silencio y la intensidad del actor.

9. E montaje interno. El plano secuencia (práctica). Dodfellas, irreversible, boogie nights, caché. El actor orgánico integrado dentro de una unidad de espacio-tiempo.

* Trabajando escenas en plano-secuencia, donde el actor descubre los pros y contras de rodar una escena sin cortes.

10. El montaje (externo) (práctica). Réquiem por un sueño, All that jazz, Lennie. El actor como una parte más dentro de los elementos de una ficción. Trabajo en clase de escenas basadas en el plano-contraplano que se visionarán en la sesión posterior.

11. Linealidad y coherencia del personaje (I) (práctica). La imaginación y creatividad para hacer de la mentira la verdad.

12. Linealidad y coherencia del personaje (II) (práctica). La imaginación y creatividad para hacer de la mentira la verdad.